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Tecniche di orchestrazione da film — 2h 24m 28s

Tecniche di orchestrazione musica da film

Orchestrazione in pratica

I manuali di orchestrazione sono, spesso, lunghe descrizioni del funzionamento e delle caratteristiche di ciascuno strumento.

È così che è stata strutturata anche la guida gratuita all’orchestra su Musica-Digitale.it, ed è così, anche se con tanti esempi pratici, che sono state strutturate le lezioni di questo corso fino a questa settimana di lezione.

Il fatto è che bisogna davvero conoscere gli strumenti, uno ad uno, prima di poter scrivere le loro parti e avere la sicurezza che suonino come desideriamo.

Purtroppo, almeno nella letteratura classica di orchestrazione – come Korsakov, Berlioz, Adler o Piston – lo spazio dedicato effettivamente all’orchestrazione è limitato.

In realtà le indicazioni non sono sommarie. Ogni autore indica i ruoli e le associazioni più corrette e, a parte qualche inevitabile errore materiale, quelle associazioni funzionano.

Dove manuali e guide non aiutano è nella pratica dell’orchestrazione. Nel fare. Questo è lo scopo di questa settimana di lezione e della prossima.

Avendo ben presente come suona ciascuno strumento, e quindi l’arsenale di suoni a nostra disposizione, possiamo adesso fare delle scelte consapevoli.

In teoria, anche solo limitandoci alla conoscenza del range di ciascuno strumento, alla sua intonazione e al ruolo che normalmente gli viene associato, dovremmo già essere in grado di “orchestrare”.

Ma se ci limitiamo a ripartire il nostro “Sketch al Piano” su tutte le famiglie orchestrali, pur rispettando l’atmosfera del brano e associando tra loro gli strumenti più consoni, il risultato non sarà dei migliori.

Quello che dobbiamo fare è di imporci un metodo preciso, probabilmente più restrittivo rispetto all’approccio aperto dei musicisti classici o degli insegnanti formali, ma che funziona.

Per sperimentare, c’è sempre tempo.

Dividiamo quindi la pratica dell’orchestrazione in tre fasi:

  1. La scelta della strumentazione, strettamente legata al brano
  2. La suddivisione del materiale musicale sugli strumenti più idonei
  3. La creazione di un suono coeso e immediatamente riconoscibile, il suono americano (che vedremo in dettaglio la prossima settimana)

Attraverso questo metodo, semplice ma non semplicistico, saremo in grado di orchestrare in modo competente andando oltre indicazioni di massima come “flauto, violino e viola all’ unisono”.

Una buona orchestrazione annulla la differenza tra reale e virtuale

Per un brano che suoni bene, non contano tanto la qualità delle sample library, il numero di plugin o il magico intervento di un mastering engineer. Conta prima di tutto la musica, e l’orchestrazione.

È per questo che sviluppiamo il metodo coerente e sistematico già indicato sopra.

In particolare, adoperando questo metodo renderemo inutile o quantomeno non essenziale il mixing.

L’orchestra classica dal vivo non aveva e non ha bisogno di mix engineer: era il compositore a occuparsi sia della componente dinamica che di quella di equalizzazione delle frequenze.

Senza fader, senza plugin. Semplicemente scegliendo gli strumenti giusti e mantenendoli in equilibrio attraverso normali segni di dinamica.

Sempre in queste settimane di lezione vedremo come nel suo “Trattato sull’Orchestrazione” scritto nel 1844 Hector Berlioz sembra parlare appunto al musicista digitale insistendo con vigore su un elemento essenziale per la riuscita di un brano orchestrale. Manca praticamente solo che faccia uso della parola “plugin”.

Questo deve rassicurarci, perché il timore principale dei musicisti digitali è ancora quello di essere degli apprendisti stregoni, che approssimano la musica orchestrale, senza raggiungerla. E non è così.

Naturalmente, diventa tutto molto più semplice dopo che si è raggiunta una buona familiarità con gli strumenti ed è per questo che gli strumenti devono essere trattati prima e questo corso di musica per film non fa eccezione.

Ma si tratta in sostanza di ampliare la propria visione della partitura in modo da considerare non più le singole parti ma il risultato coeso di queste parti che suonano insieme.

Inutile dire che tanta parte la fa anche il mestiere. Bisogna fare molta pratica. Ma seguendo un metodo coerente, gran parte degli errori iniziali possono essere schivati riducendo di molto la frustrazione e ottenendo risultati gradevoli sin dall’inizio.

Susanna

Conosci meglio Susanna Quagliariello

Compositore / produttore cinematografico / autore pubblicato. Laurea in Storia e Critica del Cinema, master di alta formazione, licenza triennale di conservatorio, diploma specialistico di composizione e orchestrazione per musica da film. Amministratore VFX Wizard e direttore della scuola online.

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47. Mappa: Lezioni con le regole di teoria Durata: 4m 34s

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48. Mappa: Lezioni su concetti e scrittura musicale Durata: 1m 49s

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49. Mappa: Lezioni sulla musica “cantabile” Durata: 2m 43s

Materiale didattico

Frammento di film da sonorizzare, esercizio “Boxer Teaser”
Download ZIP: Video H264 (mp4), compresso in .zip

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